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Fotografía y escultura, juntas y revueltas en el MoMA
Fotografía y escultura, juntas y revueltas en el MoMA
Hace más de 180 años nació la fotografía, y con ella la relación que han mantenido desde entonces los fotógrafos con la escultura. Un vínculo que se analiza en una nueva exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) en su nueva exposición, 'The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today', en la que se muestran más de 300 imágenes de algunos de los artistas más relevantes de los dos últimos siglos.
La muestra ilustrar cómo la copia de la escultura, a través de la fotografía, adquiere la dimensión de un nuevo modo de arte diferente a ambos y se convierte, a su vez, en una 'copia original'.
La exposición, que se mantendrá hasta el 1 de noviembre y después viajará al Kunsthaus de Zúrich el 25 de febrero, ofrece instantáneas de artistas como Eugène Atget, Hans Bellmer, Herbert Bayer, Marcel Duchamp o Man Ray.
La exposición recoge algunas de las instantáneas más representativas de la historia de la fotografía, como la popular 'El violín de Ingrés' (1924) en la que el artista estadounidense Man Ray (1890-1976) alteró las sinuosas curvas de la cantante y modelo Kiki de Montparnasse para que se parecieran a uno de sus instrumentos preferidos.
Otra de las protagonistas de la muestra es la polémica fotografía 'Salto al vacío', del francés Yves Klein (1928-1962), una instantánea que el artista quiso hacer pasar por verídica cuando en realidad se trataba de un montaje.
Entre los artistas contemporáneos que han buscado reinventar la escultura se encuentra el estadounidense Bruce Nauman (Indiana, 1941), de quien se pueden ver, entre otras, 'Autorretrato en forma de fuente', mediante la que el autor se convierte en estatua viviente.
'La historia de lo que puede ser fotografiado'
Una de las inspiraciones de la exposición, según recogió Efe citando un comunicado del MOMA, proviene de un texto de 1947 del escritor André Malraux (1901-1976) titulado 'El museo imaginario', en el que el francés afirmaba que, desde la expansión de la fotografía, la historia del arte se convirtió en "la historia de lo que puede ser fotografiado".
La comisaria de la muestra, Roxana Marcoci, señaló que el trabajo realizado por fotógrafos clásicos, como el pionero de la reproducción instantánea William Fox Talbot, y contemporáneos han ayudado a entender al espectador qué es la escultura "de una forma muy creativa."
Marcoci destacó especialmente la producción de los surrealistas, como los integrantes del movimiento Dadá, "cuyas esculturas eran en realidad fotografías destinadas a ser imagen y que, por tanto, no existen como objetos tridimensionales".
LA ESCULTURA EN LA ERA DE LA FOTOGRAFÍA
La fotografía es un niño de la era industrial-un medio que la mayoría de edad junto a la máquina de vapor y el ferrocarril-y una de sus funciones esenciales era proporcionar acceso a los mundos inaccesibles anteriormente. Entre sus primeros practicantes, Charles Nègre fotografiado la escultura de las catedrales de Chartres y de Amiens y Notre Dame, en París, rara vez se ve la captura de detalles escultóricos, mientras que en Londres, Roger Fenton y Stephen Thompson documentado la estatuaria antigua en el Museo Británico, dejando en claro la nuevo poder de instituciones de recogida.
Con el advenimiento de la cámara portátil de mano en la década de 1920, los fotógrafos la flexibilidad adquirida para capturar cambios en los acuerdos de puntos de vista escultórico móvil. André Kertész, por ejemplo, observó yuxtaposiciones inesperadas de arte y otros objetos en los estudios de amigos artistas en la década de 1920, incluyendo Fernand Léger y Ossip Zadkine. Centrándose en los detalles de esta manera, los fotógrafos han interpretado no sólo esculturas sino también los contextos de su pantalla, y los resultados demuestran a menudo que el significado de una obra de arte no es fijo sino que depende de la percepción del espectador de la misma en cualquier momento dado. Louise Lawler imágenes tomada en la década de 1980 y 1990 destaca en su arquitectura papel, etiquetas, pedestales, pintura de la pared, piso y otros detalles ambientales juegan en la interpretación del arte. Al igual que Barbara Kruger y las fotografías de Cindy Sherman, en primer plano las cuestiones que de la representación, lo que subraya el compromiso de la fotografía en el análisis de casi todos los aspectos del arte.
EUGÈNE ATGET: LO MARAVILLOSO EN LO COTIDIANO
Durante el primer cuarto del siglo XX, Atget tomó cientos de fotografías de las estatuas clásicas, relieves, fuentes, y otros muy trabajados fragmentos decorativos en París y sus parques periféricos. Estas imagen es un compendio visual de la herencia de la civilización francesa en ese momento. En Versalles, fotografiado jardines Atget diseñado por el arquitecto paisajista André Le Nôtre para el rey Luis XIV en la segunda mitad del siglo XVII. Representar blancas estatuas de mármol de puntos de vista bajo, de cuerpo entero, y en contra de la oscuridad, los tonos unificado de setos y árboles, Atget los llevó a un gran alivio, destacando las posibilidades teatrales de la escultura. Entre las fotos que tomó en Saint-Cloud es una serie centrada en una piscina rodeada de estatuas cuyos pequeños siluetas se pueden ver desde la distancia. Dos imágenes de la estatua misma toma tres meses de diferencia, en Sceaux en marzo y junio de 1925, mira totalmente diferente: en un caso de la estatua se perfila contra los árboles desprovistos de invierno, envuelto en la expansión luminosos del cielo, en la otra que es absorbido por los árboles "el follaje. Las imágenes revelan aguda exploración de Atget de los fenómenos ópticos. Su interés en la obra variable entre naturaleza y arte a través de pequeños cambios en la cámara de ángulo, o en función de los efectos de la luz y la hora del día, se subraya en sus anotaciones del mes exacto y, a veces incluso de hora cuando se tomaron las fotografías.
AUGUSTE RODIN: EL ESCULTOR Y LA EMPRESA FOTOGRÁFICA
Rodin no tomar fotografías de sus esculturas, pero se reservó el acto creativo por sí mismo, de forma activa la dirección de la empresa de fotografiar su obra. Él controló puesta en escena, iluminación, y el fondo, y fue probablemente el primer escultor de conseguir la cámara para grabar las etapas cambiantes a través de la que su obra pasó de la concepción hasta la realización.
Los fotógrafos que trabajan con Rodin fueron diversas y sus imágenes de su trabajo varían mucho, en parte debido a la sensibilidad artística de cada individuo y en parte a los cambios en el medio fotográfico en el tiempo. Los ángulos de visión radical que Eugène Druet adoptadas en sus cuadros de las manos alrededor de 1898 inspirado en el poeta Rainer Maria Rilke a escribir, "hay entre las obras de las manos de Rodin, solo las manos pequeñas, que sin pertenecer a un cuerpo, están vivos. Las manos que se elevan, irritado y con ira, las manos, cuyos cinco dedos erizados parecen a ladrar como los cinco fauces de un perro del infierno. "Edward Steichen de Rodin-El Pensador (1902) se realizó mediante la combinación de dos negativos: Rodin en silueta de perfil oscuro contemplando El Pensador (1880-1882), su alter ego, frente a la luminosa Monumento a Víctor Hugo (1901). Steichen fotografió un modelo de yeso de Rodin Balzac escultor en el jardín de Meudon, pasar una noche entera tomando distintas exposiciones, desde quince minutos a una hora, para garantizar una serie de dramáticos negativos son muy diferentes.
CONSTANTIN BRANCUSI: EL ESTUDIO COMO GRUPO MÓVIL
"¿Por qué escribir?" Brancusi, una vez consultado. "Por qué no muestran las fotos?" El escultor incluidos muchos grandes fotógrafos entre sus amigos-Edward Steichen fue uno de sus campeones a principios de los Estados Unidos, y en 1914 Alfred Stieglitz organizó su primera exposición individual en Nueva York, Man Ray, lo ayudaron a comprar equipo fotográfico ambiente; Berenice Abbott estudió escultura en él, y él tenía una relación estrecha con Brassaï, André Kertész y László Moholy-Nagy. Sin embargo, se negó a que su trabajo fotografiado por otros, prefiriendo en lugar de la toma, desarrollo, e imprimir sus propias fotografías.
Si en el mundo real una escultura puede pertenecer a un único acuerdo, la fotografía permite combinaciones de la misma pieza en diferentes formaciones, posiciones y orientaciones. Brancusi articulado en torno al estudio groupes móviles (grupos móviles), cada uno compuesto por varias piezas de la escultura, bases y pedestales. Montaje y volver a montar sus esculturas para la cámara, Brancusi utilizado la fotografía como un diario de sus permutaciones escultórica. También desarrolló una estética antítesis de las normas fotográfico habitual. Sus fotos radieuses (fotos radiante) se caracterizan por destellos de luz que desmaterializar la monolítica de la materialidad de la escultura tradicional estática. Si, como se dice a menudo, Brancusi "inventado" la escultura moderna, su uso de la fotografía pertenece a una reevaluación de la modernidad de la escultura.
MARCEL DUCHAMP: EL READY-MADE COMO LA REPRODUCCIÓN
En 1913, Duchamp anota la siguiente nota: "¿Puede uno hacer obras que no sean obras de 'arte'?" Ese mismo año concibió su primera readymade, Rueda de bicicleta-ensamblados desde la pre-existentes que se fabrican los objetos-de inmediato modificar la definición de lo que constituye un objeto de arte. En 1935, Duchamp comenzó Caja en una maleta (o de Marcel Duchamp o Rrose Sélavy), un catálogo de su obra hasta la fecha. Con reproducciones fotográficas, las réplicas de los readymades varios minutos, y una obra original, en un cuadro de Valise combina el formato de una exposición retrospectiva con la de un álbum de fotografías. En lugar de utilizar la técnica fotográfica rápida entonces disponible, Duchamp combinado con la impresión colotipia elaborar pochoir método, en el que se aplica el color a mano con el uso de plantillas. Se produce así "autorizado" original "copias", desdibujando los límites entre obras de arte únicas, el readymade y múltiple. Más difícil la idea de originalidad, que "propiedad" estos facsímiles en el nombre de su alter ego femenino, Rrose Sélavy.
ICONOS CULTURALES Y POLÍTICOS
En una época en resonancia con las consecuencias de dos guerras mundiales, la construcción y el desmantelamiento del muro de Berlín, y los efectos posteriores de la herencia colonialista de Sudáfrica, la conmemoración ha proporcionado un tema rico para la investigación fotográfica. Algunas de las fotografías ensayos más significativos del siglo XX-Walker Evans siglo Fotografías de América (1938), Robert Frank Los americanos (1958), Lee Friedlander El Monumento de América (1976), y David Goldblatt La estructura de las cosas, entonces (1998)-articular en distintos grados el valor particular de la fotografía como un medio para definir las políticas y la función cultural de los monumentos. emblemáticos de la imagen de Evans de un aplastado columna jónica de chapa barata; de foto de Frank de una estatua de San Francisco predicando a la vista sombrío de una estación de gasolina; Fotografía de Friedlander de un monumento a la Primera Guerra Mundial héroe Padre Duffy envuelto en la cacofonía de Plaza de los carteles de neón Times y, y Goldblatt las imágenes de los monumentos a algunos de los símbolos más potentes de todos los afrikaner triunfalismo-echar una mirada crítica al mundo que las estatuas públicas habitan.
EL ESTUDIO SIN PAREDES: ESCULTURA EN EL CAMPO EXPANDIDO
A finales de 1960 un cambio estético radical alterado tanto la definición del objeto escultórico y la forma en que se vivió ese objeto. Una serie de artistas que no consideran a sí mismos fotógrafos en el sentido tradicional comenzó a usar la cámara para rehacer la idea de lo que la escultura es, prescindiendo de los objetos inmóviles en favor de un sitio alterado: el entorno construido, el paisaje remoto, o del taller y el espacio del museo en el que el artista intervino.
Este compromiso con el sitio y la arquitectura significa que la escultura ya no tenía que ser un objeto permanente de tres dimensiones, sino que podría, por ejemplo, una configuración de escombros en el suelo del estudio (Bruce Nauman), un vapor desprendido en el paisaje (Robert Barry ), un hogar diseccionado reconfigurado como que desafían la gravedad a pie a través de la escultura (Gordon Matta-Clark), o un edificio envuelto en marcha (Christo). Estos y muchos otros artistas hizo un amplio uso de la fotografía, la recogida y tomando cientos de fotos como materia prima para otras piezas, como collages y fotomontajes. En la primera década del siglo XXI, artistas como Zhang Dali, Gaillard Cyprien, y Rachel Whiteread han seguido este diálogo a través de fotografías contemplar ejemplos de la arquitectura y la escultura en los estados de deterioro y la entropía.
SOPA DE DAGUERRE: ¿QUÉ ES LA ESCULTURA?
En 1932, Brassaï desafió las nociones establecidas de lo que es o no es la escultura cuando fotografió a una serie de pequeños encontrado restos de desecho, objetos de papel que había sido inconscientemente aplastado, doblado o torcido por las manos inquietas, de formas extrañas trozos de pan, manchada trozos de jabón y manchas accidentales de pasta de dientes, que tituló Esculturas involuntarias. En los años 1960 y 1970 los artistas involucrarse con las diversas formas de reproducción, repetición y repetición utilizó la cámara para explorar los límites de la escultura. La palabra "escultura" se llegó a no significar algo específico sino más bien para indicar una objetualidad polimorfa.
En 1971 Alina Szapocznikow producido Photosculptures, imágenes de un nuevo tipo de objeto escultórico hecha de piezas y distendido estirada de goma de mascar. Al mismo tiempo, Marcel Broodthaers inventado taxonomías absurdo de las obras fotográficas. En Sopa de Daguerre (1975), insinúa en el Broodthaers diversos fluidos y químico Louis Daguerre usa para inventar la fotografía en el siglo XIX por poner en juego ideas experimentales sobre el lenguaje y los objetos cotidianos. Una década más tarde, el dúo Fischli / Weiss combinó la fotografía y, ingeniosamente coreografiadas conjuntos extravagantes al borde del colapso. Rachel Harrison se basó en ilógica sistemas de Broodthaers de la clasificación y colecciones paródicos de objetos para producir Viaje del Beagle, en 2007, una serie de imágenes que, en conjunto plantear la pregunta "¿Qué es la escultura?" que van desde imágenes de menhires prehistóricos de producción masiva Pop maniquíes, de topiarios de esculturas hechas por los maestros modernistas, el trabajo de Harrison constituye una búsqueda oblicua, tanto para los orígenes de la escultura y sus manifestaciones contemporáneas.
EL COMPLEJO DE PIGMALIÓN: ANIMAR Y CIFRAS INANIMADOS
El tema de la estatua animada abarca la historia de la fotografía de avant-garde. Con el surgimiento del surrealismo en la década de 1920, los artistas utilizan la cámara para que toque en la extrañeza de los títeres, muñecos de cera, maniquíes y autómatas, produciendo imágenes que tanto transcribir y alterar las apariencias. Laura Gilpin explorado esta mezcla perturbadora de la quietud y la vida, naturalidad en su misterioso atractivo retrato de George William Eggers (1926), en la que el sujeto mantiene con una empresa del siglo decimoquinto busto policromado cuyo encanto se ve reforzada por el resplandor de la vela que tiene al lado a la cara. Lo mismo hizo Edward Weston, en su caprichosa maniquíes de goma, Metro Goldwyn Mayer Studios, Hollywood (1939), que muestra a dos muñecos atrapados en un pas de deux en un estudio de almacenamiento de gran cantidad de películas. En Laughlin misteriosa fotomontaje John Clarence El Ojo que nunca duerme (1946), el negativo de una imagen tomada en una Orleans funeral Salón de Nueva ha sido cubierta con una imagen de un maniquí, una de cuyas piernas, sin embargo, es el de una carne y hueso modelo.
La tensión entre el objeto animar y formar a mujeres inanimados se encuentra en el meollo de muchos de Ray fotografías del hombre, incluyendo Blanco y Negro (1926), que provocativamente parejas la cabeza de la modelo legendario, el artista, y el cabaret cantante Alice Prin, más conocido como Kiki de Montparnasse , con una máscara ceremonial de África. Hans Bellmer fotografías de muñecas desmembradas y los fotomontajes de Herbert Bayer, Hannah Höch, y Johannes Theodor sonda Baargeld la relación entre la figura de vida y de la escultura al invocar la subjetividad inestable y cambiante concepción de los límites anatómicos que siguió a raíz de la Primera Guerra Mundial
EL ÓRGANO QUE REALICE COMO OBJETO ESCULTÓRICO
En 1969, Gilbert & George se cubrían la cabeza y las manos en polvo metálico y cantó Flanagan y el vodevil número Allen "Por debajo de los Arcos." declarándose que viven escultura, que supone la situación de una obra de arte, un papel que utilizó la fotografía para expresarse. En el clima radicalizados de la década de 1970, artistas como Eleanor Antin, VALIE DE EXPORTACIÓN, Ana Mendieta, Dennis Oppenheim, Ray Charles, y Hannah Wilke comprometido con la "retórica de la pose", y subrayó el papel clave de la fotografía en la intersección de la actuación y la escultura. Otros artistas tan diversos en Robert Morris, Claes Oldenburg, Muehl Otto, Bas Jan Ader y experimentado con el cuerpo como material escultórico. Varios de Bruce Nauman imágenes de su cartera de once fotografías en color (1966-67/1970) parodia de la tradición clásica de la escultura, y Erwin Wurm la serie de esculturas, en un minuto (1997-98) son articulaciones gestual en el que se gira el cuerpo en una escultura formulario. Wurm, como los artistas que se presentan en esta exposición, ha contratado a la cámara no para documentar las acciones que preceden al impulso de grabarlas, sino como un agente que genera las acciones a través de su propia presencia y que es un elemento constitutivo de la obra.
Fotografía y escultura, juntas y revueltas en el MoMA
Hace más de 180 años nació la fotografía, y con ella la relación que han mantenido desde entonces los fotógrafos con la escultura. Un vínculo que se analiza en una nueva exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) en su nueva exposición, 'The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today', en la que se muestran más de 300 imágenes de algunos de los artistas más relevantes de los dos últimos siglos.
La muestra ilustrar cómo la copia de la escultura, a través de la fotografía, adquiere la dimensión de un nuevo modo de arte diferente a ambos y se convierte, a su vez, en una 'copia original'.
La exposición, que se mantendrá hasta el 1 de noviembre y después viajará al Kunsthaus de Zúrich el 25 de febrero, ofrece instantáneas de artistas como Eugène Atget, Hans Bellmer, Herbert Bayer, Marcel Duchamp o Man Ray.
La exposición recoge algunas de las instantáneas más representativas de la historia de la fotografía, como la popular 'El violín de Ingrés' (1924) en la que el artista estadounidense Man Ray (1890-1976) alteró las sinuosas curvas de la cantante y modelo Kiki de Montparnasse para que se parecieran a uno de sus instrumentos preferidos.
Otra de las protagonistas de la muestra es la polémica fotografía 'Salto al vacío', del francés Yves Klein (1928-1962), una instantánea que el artista quiso hacer pasar por verídica cuando en realidad se trataba de un montaje.
Entre los artistas contemporáneos que han buscado reinventar la escultura se encuentra el estadounidense Bruce Nauman (Indiana, 1941), de quien se pueden ver, entre otras, 'Autorretrato en forma de fuente', mediante la que el autor se convierte en estatua viviente.
'La historia de lo que puede ser fotografiado'
Una de las inspiraciones de la exposición, según recogió Efe citando un comunicado del MOMA, proviene de un texto de 1947 del escritor André Malraux (1901-1976) titulado 'El museo imaginario', en el que el francés afirmaba que, desde la expansión de la fotografía, la historia del arte se convirtió en "la historia de lo que puede ser fotografiado".
La comisaria de la muestra, Roxana Marcoci, señaló que el trabajo realizado por fotógrafos clásicos, como el pionero de la reproducción instantánea William Fox Talbot, y contemporáneos han ayudado a entender al espectador qué es la escultura "de una forma muy creativa."
Marcoci destacó especialmente la producción de los surrealistas, como los integrantes del movimiento Dadá, "cuyas esculturas eran en realidad fotografías destinadas a ser imagen y que, por tanto, no existen como objetos tridimensionales".
LA ESCULTURA EN LA ERA DE LA FOTOGRAFÍA
La fotografía es un niño de la era industrial-un medio que la mayoría de edad junto a la máquina de vapor y el ferrocarril-y una de sus funciones esenciales era proporcionar acceso a los mundos inaccesibles anteriormente. Entre sus primeros practicantes, Charles Nègre fotografiado la escultura de las catedrales de Chartres y de Amiens y Notre Dame, en París, rara vez se ve la captura de detalles escultóricos, mientras que en Londres, Roger Fenton y Stephen Thompson documentado la estatuaria antigua en el Museo Británico, dejando en claro la nuevo poder de instituciones de recogida.
Con el advenimiento de la cámara portátil de mano en la década de 1920, los fotógrafos la flexibilidad adquirida para capturar cambios en los acuerdos de puntos de vista escultórico móvil. André Kertész, por ejemplo, observó yuxtaposiciones inesperadas de arte y otros objetos en los estudios de amigos artistas en la década de 1920, incluyendo Fernand Léger y Ossip Zadkine. Centrándose en los detalles de esta manera, los fotógrafos han interpretado no sólo esculturas sino también los contextos de su pantalla, y los resultados demuestran a menudo que el significado de una obra de arte no es fijo sino que depende de la percepción del espectador de la misma en cualquier momento dado. Louise Lawler imágenes tomada en la década de 1980 y 1990 destaca en su arquitectura papel, etiquetas, pedestales, pintura de la pared, piso y otros detalles ambientales juegan en la interpretación del arte. Al igual que Barbara Kruger y las fotografías de Cindy Sherman, en primer plano las cuestiones que de la representación, lo que subraya el compromiso de la fotografía en el análisis de casi todos los aspectos del arte.
EUGÈNE ATGET: LO MARAVILLOSO EN LO COTIDIANO
Durante el primer cuarto del siglo XX, Atget tomó cientos de fotografías de las estatuas clásicas, relieves, fuentes, y otros muy trabajados fragmentos decorativos en París y sus parques periféricos. Estas imagen es un compendio visual de la herencia de la civilización francesa en ese momento. En Versalles, fotografiado jardines Atget diseñado por el arquitecto paisajista André Le Nôtre para el rey Luis XIV en la segunda mitad del siglo XVII. Representar blancas estatuas de mármol de puntos de vista bajo, de cuerpo entero, y en contra de la oscuridad, los tonos unificado de setos y árboles, Atget los llevó a un gran alivio, destacando las posibilidades teatrales de la escultura. Entre las fotos que tomó en Saint-Cloud es una serie centrada en una piscina rodeada de estatuas cuyos pequeños siluetas se pueden ver desde la distancia. Dos imágenes de la estatua misma toma tres meses de diferencia, en Sceaux en marzo y junio de 1925, mira totalmente diferente: en un caso de la estatua se perfila contra los árboles desprovistos de invierno, envuelto en la expansión luminosos del cielo, en la otra que es absorbido por los árboles "el follaje. Las imágenes revelan aguda exploración de Atget de los fenómenos ópticos. Su interés en la obra variable entre naturaleza y arte a través de pequeños cambios en la cámara de ángulo, o en función de los efectos de la luz y la hora del día, se subraya en sus anotaciones del mes exacto y, a veces incluso de hora cuando se tomaron las fotografías.
AUGUSTE RODIN: EL ESCULTOR Y LA EMPRESA FOTOGRÁFICA
Rodin no tomar fotografías de sus esculturas, pero se reservó el acto creativo por sí mismo, de forma activa la dirección de la empresa de fotografiar su obra. Él controló puesta en escena, iluminación, y el fondo, y fue probablemente el primer escultor de conseguir la cámara para grabar las etapas cambiantes a través de la que su obra pasó de la concepción hasta la realización.
Los fotógrafos que trabajan con Rodin fueron diversas y sus imágenes de su trabajo varían mucho, en parte debido a la sensibilidad artística de cada individuo y en parte a los cambios en el medio fotográfico en el tiempo. Los ángulos de visión radical que Eugène Druet adoptadas en sus cuadros de las manos alrededor de 1898 inspirado en el poeta Rainer Maria Rilke a escribir, "hay entre las obras de las manos de Rodin, solo las manos pequeñas, que sin pertenecer a un cuerpo, están vivos. Las manos que se elevan, irritado y con ira, las manos, cuyos cinco dedos erizados parecen a ladrar como los cinco fauces de un perro del infierno. "Edward Steichen de Rodin-El Pensador (1902) se realizó mediante la combinación de dos negativos: Rodin en silueta de perfil oscuro contemplando El Pensador (1880-1882), su alter ego, frente a la luminosa Monumento a Víctor Hugo (1901). Steichen fotografió un modelo de yeso de Rodin Balzac escultor en el jardín de Meudon, pasar una noche entera tomando distintas exposiciones, desde quince minutos a una hora, para garantizar una serie de dramáticos negativos son muy diferentes.
CONSTANTIN BRANCUSI: EL ESTUDIO COMO GRUPO MÓVIL
"¿Por qué escribir?" Brancusi, una vez consultado. "Por qué no muestran las fotos?" El escultor incluidos muchos grandes fotógrafos entre sus amigos-Edward Steichen fue uno de sus campeones a principios de los Estados Unidos, y en 1914 Alfred Stieglitz organizó su primera exposición individual en Nueva York, Man Ray, lo ayudaron a comprar equipo fotográfico ambiente; Berenice Abbott estudió escultura en él, y él tenía una relación estrecha con Brassaï, André Kertész y László Moholy-Nagy. Sin embargo, se negó a que su trabajo fotografiado por otros, prefiriendo en lugar de la toma, desarrollo, e imprimir sus propias fotografías.
Si en el mundo real una escultura puede pertenecer a un único acuerdo, la fotografía permite combinaciones de la misma pieza en diferentes formaciones, posiciones y orientaciones. Brancusi articulado en torno al estudio groupes móviles (grupos móviles), cada uno compuesto por varias piezas de la escultura, bases y pedestales. Montaje y volver a montar sus esculturas para la cámara, Brancusi utilizado la fotografía como un diario de sus permutaciones escultórica. También desarrolló una estética antítesis de las normas fotográfico habitual. Sus fotos radieuses (fotos radiante) se caracterizan por destellos de luz que desmaterializar la monolítica de la materialidad de la escultura tradicional estática. Si, como se dice a menudo, Brancusi "inventado" la escultura moderna, su uso de la fotografía pertenece a una reevaluación de la modernidad de la escultura.
MARCEL DUCHAMP: EL READY-MADE COMO LA REPRODUCCIÓN
En 1913, Duchamp anota la siguiente nota: "¿Puede uno hacer obras que no sean obras de 'arte'?" Ese mismo año concibió su primera readymade, Rueda de bicicleta-ensamblados desde la pre-existentes que se fabrican los objetos-de inmediato modificar la definición de lo que constituye un objeto de arte. En 1935, Duchamp comenzó Caja en una maleta (o de Marcel Duchamp o Rrose Sélavy), un catálogo de su obra hasta la fecha. Con reproducciones fotográficas, las réplicas de los readymades varios minutos, y una obra original, en un cuadro de Valise combina el formato de una exposición retrospectiva con la de un álbum de fotografías. En lugar de utilizar la técnica fotográfica rápida entonces disponible, Duchamp combinado con la impresión colotipia elaborar pochoir método, en el que se aplica el color a mano con el uso de plantillas. Se produce así "autorizado" original "copias", desdibujando los límites entre obras de arte únicas, el readymade y múltiple. Más difícil la idea de originalidad, que "propiedad" estos facsímiles en el nombre de su alter ego femenino, Rrose Sélavy.
ICONOS CULTURALES Y POLÍTICOS
En una época en resonancia con las consecuencias de dos guerras mundiales, la construcción y el desmantelamiento del muro de Berlín, y los efectos posteriores de la herencia colonialista de Sudáfrica, la conmemoración ha proporcionado un tema rico para la investigación fotográfica. Algunas de las fotografías ensayos más significativos del siglo XX-Walker Evans siglo Fotografías de América (1938), Robert Frank Los americanos (1958), Lee Friedlander El Monumento de América (1976), y David Goldblatt La estructura de las cosas, entonces (1998)-articular en distintos grados el valor particular de la fotografía como un medio para definir las políticas y la función cultural de los monumentos. emblemáticos de la imagen de Evans de un aplastado columna jónica de chapa barata; de foto de Frank de una estatua de San Francisco predicando a la vista sombrío de una estación de gasolina; Fotografía de Friedlander de un monumento a la Primera Guerra Mundial héroe Padre Duffy envuelto en la cacofonía de Plaza de los carteles de neón Times y, y Goldblatt las imágenes de los monumentos a algunos de los símbolos más potentes de todos los afrikaner triunfalismo-echar una mirada crítica al mundo que las estatuas públicas habitan.
EL ESTUDIO SIN PAREDES: ESCULTURA EN EL CAMPO EXPANDIDO
A finales de 1960 un cambio estético radical alterado tanto la definición del objeto escultórico y la forma en que se vivió ese objeto. Una serie de artistas que no consideran a sí mismos fotógrafos en el sentido tradicional comenzó a usar la cámara para rehacer la idea de lo que la escultura es, prescindiendo de los objetos inmóviles en favor de un sitio alterado: el entorno construido, el paisaje remoto, o del taller y el espacio del museo en el que el artista intervino.
Este compromiso con el sitio y la arquitectura significa que la escultura ya no tenía que ser un objeto permanente de tres dimensiones, sino que podría, por ejemplo, una configuración de escombros en el suelo del estudio (Bruce Nauman), un vapor desprendido en el paisaje (Robert Barry ), un hogar diseccionado reconfigurado como que desafían la gravedad a pie a través de la escultura (Gordon Matta-Clark), o un edificio envuelto en marcha (Christo). Estos y muchos otros artistas hizo un amplio uso de la fotografía, la recogida y tomando cientos de fotos como materia prima para otras piezas, como collages y fotomontajes. En la primera década del siglo XXI, artistas como Zhang Dali, Gaillard Cyprien, y Rachel Whiteread han seguido este diálogo a través de fotografías contemplar ejemplos de la arquitectura y la escultura en los estados de deterioro y la entropía.
SOPA DE DAGUERRE: ¿QUÉ ES LA ESCULTURA?
En 1932, Brassaï desafió las nociones establecidas de lo que es o no es la escultura cuando fotografió a una serie de pequeños encontrado restos de desecho, objetos de papel que había sido inconscientemente aplastado, doblado o torcido por las manos inquietas, de formas extrañas trozos de pan, manchada trozos de jabón y manchas accidentales de pasta de dientes, que tituló Esculturas involuntarias. En los años 1960 y 1970 los artistas involucrarse con las diversas formas de reproducción, repetición y repetición utilizó la cámara para explorar los límites de la escultura. La palabra "escultura" se llegó a no significar algo específico sino más bien para indicar una objetualidad polimorfa.
En 1971 Alina Szapocznikow producido Photosculptures, imágenes de un nuevo tipo de objeto escultórico hecha de piezas y distendido estirada de goma de mascar. Al mismo tiempo, Marcel Broodthaers inventado taxonomías absurdo de las obras fotográficas. En Sopa de Daguerre (1975), insinúa en el Broodthaers diversos fluidos y químico Louis Daguerre usa para inventar la fotografía en el siglo XIX por poner en juego ideas experimentales sobre el lenguaje y los objetos cotidianos. Una década más tarde, el dúo Fischli / Weiss combinó la fotografía y, ingeniosamente coreografiadas conjuntos extravagantes al borde del colapso. Rachel Harrison se basó en ilógica sistemas de Broodthaers de la clasificación y colecciones paródicos de objetos para producir Viaje del Beagle, en 2007, una serie de imágenes que, en conjunto plantear la pregunta "¿Qué es la escultura?" que van desde imágenes de menhires prehistóricos de producción masiva Pop maniquíes, de topiarios de esculturas hechas por los maestros modernistas, el trabajo de Harrison constituye una búsqueda oblicua, tanto para los orígenes de la escultura y sus manifestaciones contemporáneas.
EL COMPLEJO DE PIGMALIÓN: ANIMAR Y CIFRAS INANIMADOS
El tema de la estatua animada abarca la historia de la fotografía de avant-garde. Con el surgimiento del surrealismo en la década de 1920, los artistas utilizan la cámara para que toque en la extrañeza de los títeres, muñecos de cera, maniquíes y autómatas, produciendo imágenes que tanto transcribir y alterar las apariencias. Laura Gilpin explorado esta mezcla perturbadora de la quietud y la vida, naturalidad en su misterioso atractivo retrato de George William Eggers (1926), en la que el sujeto mantiene con una empresa del siglo decimoquinto busto policromado cuyo encanto se ve reforzada por el resplandor de la vela que tiene al lado a la cara. Lo mismo hizo Edward Weston, en su caprichosa maniquíes de goma, Metro Goldwyn Mayer Studios, Hollywood (1939), que muestra a dos muñecos atrapados en un pas de deux en un estudio de almacenamiento de gran cantidad de películas. En Laughlin misteriosa fotomontaje John Clarence El Ojo que nunca duerme (1946), el negativo de una imagen tomada en una Orleans funeral Salón de Nueva ha sido cubierta con una imagen de un maniquí, una de cuyas piernas, sin embargo, es el de una carne y hueso modelo.
La tensión entre el objeto animar y formar a mujeres inanimados se encuentra en el meollo de muchos de Ray fotografías del hombre, incluyendo Blanco y Negro (1926), que provocativamente parejas la cabeza de la modelo legendario, el artista, y el cabaret cantante Alice Prin, más conocido como Kiki de Montparnasse , con una máscara ceremonial de África. Hans Bellmer fotografías de muñecas desmembradas y los fotomontajes de Herbert Bayer, Hannah Höch, y Johannes Theodor sonda Baargeld la relación entre la figura de vida y de la escultura al invocar la subjetividad inestable y cambiante concepción de los límites anatómicos que siguió a raíz de la Primera Guerra Mundial
EL ÓRGANO QUE REALICE COMO OBJETO ESCULTÓRICO
En 1969, Gilbert & George se cubrían la cabeza y las manos en polvo metálico y cantó Flanagan y el vodevil número Allen "Por debajo de los Arcos." declarándose que viven escultura, que supone la situación de una obra de arte, un papel que utilizó la fotografía para expresarse. En el clima radicalizados de la década de 1970, artistas como Eleanor Antin, VALIE DE EXPORTACIÓN, Ana Mendieta, Dennis Oppenheim, Ray Charles, y Hannah Wilke comprometido con la "retórica de la pose", y subrayó el papel clave de la fotografía en la intersección de la actuación y la escultura. Otros artistas tan diversos en Robert Morris, Claes Oldenburg, Muehl Otto, Bas Jan Ader y experimentado con el cuerpo como material escultórico. Varios de Bruce Nauman imágenes de su cartera de once fotografías en color (1966-67/1970) parodia de la tradición clásica de la escultura, y Erwin Wurm la serie de esculturas, en un minuto (1997-98) son articulaciones gestual en el que se gira el cuerpo en una escultura formulario. Wurm, como los artistas que se presentan en esta exposición, ha contratado a la cámara no para documentar las acciones que preceden al impulso de grabarlas, sino como un agente que genera las acciones a través de su propia presencia y que es un elemento constitutivo de la obra.